世界名画《和平鸽》的创作者是毕加索。
世界名画《和平鸽》是毕加索创作的，他把鸽子视为世界和平的象征，世界公认是从毕加索开始的。1940年，希特勒的法西斯土匪攻占了法国首都巴黎。当时，毕加索正情绪低落地坐在画室里，这时有人敲门。是老邻居米什，他给毕加索讲了一个悲惨的故事，手里拿着一只带血的鸽子。原来老人的孙子养了一群鸽子。平时，他经常用一根绑着白布的竹竿作为吸引鸽子的信号。当他得知父亲在保卫巴黎的战斗中牺牲时，他幼小的心灵充满了仇恨和愤怒。他认为白色条纹意味着向敌人投降，所以他用红色条纹来吸引鸽子。显眼的红布条被德口发现，惨无人道的法西斯歹徒把他扔到楼下，死在大街上。他们还用刺刀杀死了鸽笼里的所有鸽子。老人说到这里停了下来，对毕加索说？先生，我能请您为我画一只鸽子来纪念我被法西斯杀害的孙子吗？。
后来毕加索悲愤交加的画了一只飞鸽？就这样吗？和平鸽？的原型。1950 165438+10月，为了纪念在华沙召开的世界和平会议，毕加索兴高采烈地画了一只插着橄榄枝的飞鸽。当时，智利著名诗人聂鲁达称之为？和平鸽？因此，鸽子被官方认为是和平的象征。
象征意义
爱的使者
在遥远的过去，鸽子曾被视为爱的使者。比如在古巴比伦，鸽子是爱与教育的强大女神希斯塔身边的神鸟，无数少女为之着迷。在生活中，他们被称为女孩？爱的鸽子？。
和平的象征
直到纪元开始，鸽子才被视为和平的象征。旧约？《创世纪》记载，古代洪水过后，诺亚从方舟上放出一只鸽子，想看看洪水是否平息了。上帝让鸽子收回橄榄枝，说明洪水已经平息，人间还有希望。诺亚知道洪水已经开始退去，和平即将到来。洪水退去后，一个长满绿树的山谷和一条开满鲜花的幽静小路出现在世间万物面前。从那以后，人们用鸽子和橄榄枝来象征和平。
16世纪的宗教改革运动赋予了鸽子新的使命，让它？圣灵？的化身。直到17世纪，鸽子？官复原职？再次作为和平使者。德意志帝国的许多城市发行了一套鸽子，嘴里衔着橄榄枝，图案底部刻有？圣鸽保佑和平？纪念币
德国飓风运动的杰出代表席勒将鸽子从一种和平的宗教象征引入政治，鸽子再次成为英勇的战士，不再是没有抵抗的希望象征。
毕加索简介毕加索(1881年10年10月25日？1973年4月8日)，西班牙画家、雕塑家。* * *党员。他是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。他在1907年写的《阿维尼翁的姑娘》是第一部具有立体主义倾向的作品，是具有里程碑意义的著名代表作。它不仅标志着毕加索个人艺术历程的重大转折，也是西方现代艺术史上的革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。在接下来的十年里，这幅画让法国立体派绘画得到了前所未有的发展，甚至蔓延到了芭蕾、舞台设计、文学、音乐等领域。《阿维尼翁的姑娘》开创了法国立体派的新局面，毕加索和布拉克也成为这个画派的风云人物。
毕加索的生活经历早期经历。
毕加索从小就受到父亲的培养，取得了惊人的进步，这一点从毕加索博物馆收藏的毕加索早期作品中就可以看出来。1893年期间，毕加索早期作品中的稚气逐渐褪去，1894年，毕加索正式开始了画家生涯。1890中期，毕加索的绘画表现出强烈的传统现实主义风格，而《第一次圣餐礼》就是此时的代表作，这说明年轻的毕加索能够处理棘手的细节[5]。同年，14岁的毕加索为我姑姑佩帕画了一幅肖像，这使胡安.爱德华多感到生动而富有活力？赛洛特曾经称赞过，？毫无疑问，是整个西班牙艺术史上最好的画作之一？。
从1897开始，毕加索的现实主义绘画风格受到了象征主义的影响。在一系列的风景画中，用不自然的紫色和绿色色调是毕加索现实主义时期(1899 -1900)的特点。这一时期毕加索的作品受到了罗赛迪、斯大林、图卢兹-罗特莱克和爱德华？蒙克等人的影响加上画家埃尔？格列柯的特点产生了毕加索独特的现代绘画风格。
蓝色时期
毕加索和他的朋友卡洛斯在西班牙经历了一次孤独的旅行？卡萨吉马斯的自杀影响，使得蓝色时期(1901 -1904)的画作常常表现出阴郁的感觉。这一时期的绘画以蓝色和蓝绿色为主，很少使用暖色。推测蓝色期的确切时间可能在西班牙1901的春天，也可能在巴黎1901的下半年。在此期间，毕加索创作了许多描绘骨瘦如柴的母亲和孩子的作品，色彩较暗，有时也以妓女和乞丐为题材。卡萨·吉马斯去世后，1901年的秋天，毕加索为他画了几幅肖像，1903年，他完成了一生中最忧郁的作品《生命》(La Vie)，现收藏于克利夫兰艺术博物馆。忧郁的情绪蔓延到了著名的蚀刻作品《节俭的就餐》(1904)。作品描绘了一个看不见的男人和一个看得见的女人，两个人都很瘦，坐在一张旧桌子旁。毕加索在蓝色时期经常用？瞎了？这个题材，比如《盲人的饭》(1903，大都会博物馆收藏)和《塞莱斯蒂娜》(1903)，都是蓝色时期的代表。
粉红时期
1904年，毕加索在巴黎遇到了为雕塑家和艺术家工作的模特费尔南德。与他相恋的费尔南德斯·奥利维尔开始了玫瑰期(也称粉红期，1904 -1906)。受与费尔南德甜蜜关系的影响，毕加索大量使用明亮乐观的橙色和粉色，其题材多描绘马戏人、杂技演员和小丑，这成为毕加索的个人特色之一。而1904被视为蓝色期和玫瑰期的过渡期。
立体派时期
当毕加索第一次看到一个黑人的雕塑时，他被深深地打动了。黑人的原始、大胆和强烈的雕刻给了毕加索很大的刺激。1907?阿维尼翁的女孩们？绘画成为他创造立体派风格的里程碑。毕加索的立体主义，基本上不是纯粹的审美，更倾向于理性和抽象，对物体进行重组和组合，带给人更新更深刻的感受。
后期
第二次世界大战期间，他主要生活在巴黎，巴黎光复后，他加入了法国。
1973于4月8日在法国穆甘去世。
2004年5月，毕加索早期作品《拿烟斗的男孩》以654.38+0.04亿美元的价格中标，创下654.38+0.990年的新纪录。梵高一幅画的拍卖纪录是8250万美元。
毕加索主要作品毕加索一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多样，创造力非凡。代表作有:《阿维尼翁的姑娘》、《瓶子》、《玻璃与小提琴》、《格尔尼卡》、《梦想》。
阿维尼翁的少女，毕加索，1907，油画，纽约，现代艺术博物馆阿维尼翁的少女毕加索受到非洲原始雕塑和塞尚绘画的影响，转而探索新的绘画风格。所以，他画了一幅划时代的杰作？阿维尼翁的女孩。这幅令人难以置信的巨幅油画不仅标志着毕加索个人艺术历程的重大转折，也是西方现代艺术史上的革命性突破，引发了立体主义运动的诞生。《阿维尼翁的姑娘》初版于1906年，完成于1907年，期间多次修改。在这幅画中，五个裸体女人和一组静物构成了一个正式的构图。这幅画的名字是毕加索的朋友安德鲁？塞尔曼，据说毕加索本人也不喜欢。但无论如何，这只是作品的名字。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家往往有意识地不用标题来解释作品的内容。毕加索的《阿维尼翁的姑娘》一定也是如此。画的初衷是以性传播疾病的讽喻为题，取名为《罪的赏赐》，在原素描中一目了然；小品里有一个抱着骷髅的男人，让人想起一句古老的西班牙道德格言:一切都是虚空？。但在这幅画的正式创作过程中，这些轶事或隐含的细节都被画家去除了。它的终极震撼力不是来自任何文学描写，而是来自其绘画语言的感人力量。
这幅画是第一幅立体派作品。画面左边三个裸女的形象，明显是古典人体的僵硬变形；右边两个裸女粗糙异常的脸和姿势，充满了原始艺术的野性特征，野兽派画家发现了非洲和大洋洲雕塑的原始魅力，并介绍给毕加索。然而，用原始艺术摧毁古典美学的是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画中，不仅比例，而且人体的有机整体性和连续性都被否定了。所以这幅画(正如一位评论家所说)，像一个碎玻璃？。在这里，毕加索毁灭了很多东西，但在毁灭的过程中，他收获了什么？当我们从第一眼看到这幅画的震惊中恢复过来时，我们开始发现破坏是相当有序的:一切，无论是图像还是背景，都被分解成有角的几何块。我们注意到，这些碎片并不是平面的，它们有一种三维空间的感觉，因为它们是有阴影的。我们并不总是确定它们是凹的还是凸的；其中一些看起来像固体块，而另一些看起来像透明体的碎片。这些不寻常的区块让画面有了一些整体性和连续性。
从这幅画中，我们可以看到一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法在塞尚的绘画中最早就已经被采用。我们看到图片中央的两个图像的脸是正面的，但是他们的鼻子被画成了侧面；头部在图像的左侧，但眼睛是正面的。不同角度的视频组合在同一个图像中。这所谓的？同步视频？语言用在画面右侧蹲着的形象更明显。这张背部四分之三的图像，由于分解和拼接，与脊柱的中轴线分离。它的腿和胳膊被拉长，暗示着向深处延伸；头被翻过来盯着观众。毕加索在将各个角度的图像合成为这幅图像之前，似乎在图像周围圈了180度。这种画法彻底打破了意大利文艺复兴以来500年间透视法对画家的限制。
毕加索试图让这幅画保持平整。画中的许多块虽然有凹凸感，但并不是深凹或高凸。事实上，屏幕上显示的空间是如此之浅，以至于这幅画似乎代表了一个浮雕图像。画家刻意消除了人物与背景之间的距离，试图让画面的各个部分都显示在同一个面上。如果我们稍微注意一下右边背景中的蓝色块，就能发现艺术家的独创性。蓝色，通常在视觉上有后退的效果。为了消除这种效果，毕加索用耀眼的白色边缘勾住了这些蓝色块，所以它们看起来拼命地突出。
阿维尼翁的少女其实是一个独立的绘画结构，不在乎外界。它在乎的是由自己的形状和颜色组成的世界。它脱胎于塞尚描绘出浴少女的不朽作品。它以不同于自然秩序的秩序形成了一个纯粹的绘画结构。
卡西勒肖像，毕加索，1910年，油画，100年？61.5cm，芝加哥芝加哥艺术中心。毕加索1909？1911年？分析立体主义？那个时期的绘画进一步显示了对客观再现的忽视。这一时期，他作品中的形象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解，使观者对其不甚了解。虽然每幅画都有标题，但人们很难找到与标题相关的对象。那些分解后的形状和背景相互融合，让整个画面布满了各种竖、斜、横线交织的不同形状的块。在这种复杂的网络结构中，图像只是缓慢浮现，却可以立即溶解在复杂的块中。颜色的作用在这里被最小化了。画中似乎只有一些单调的黑、白、灰、棕。其实画家想表现的只是线、形、形构成的结构，以及这种结构所散发出的张力。
这幅卡斯勒的画像清楚地展示了毕加索是如何将这种分析性的立体主义绘画语言应用于特定人物的塑造。令人费解的是，毕加索在这种分解形象、抛弃色彩的极其抽象的描绘中，始终没有放弃对模型的借鉴。为了画这幅画，他让他的老朋友凯斯勒先生耐心地坐在他面前坐了二十次。他不厌其烦地对形体进行细致的分解，从而获得了一个似乎是由层层重叠的透明色块构成的画面结构。画中的颜色只有蓝色、赭色和灰紫色。颜色在这里只起次要作用。虽然在线条和方块的交错中仍能隐约看到凯斯勒先生形象的轮廓，但人们很难判断其与真人的相似性。罗兰，最著名的毕加索研究专家？彭罗斯在看到这幅画后，曾经做过这样的评价:？每分离一个面，就有一个平面从相邻的部分分离出来，不断后退，产生直接的感觉，让人想起水面上的波纹。视线在这些涟漪中游走，你可以在这里那里捕捉到一些迹象，比如一个鼻子，两只眼睛，一些梳理整齐的头发，一个手镯，一双交叉的手。但是，当视线从这一点转到那一点时，会不断地感受到在一些表面上游来游去的快感，因为这些表面以其相似的外观令人信服？看到这样的画面会产生想象；这个画面虽然暧昧，但似乎是真实的，它会在这个新现实的对称和谐的生命的推动下，带着喜悦做出自己的解释。？(毕加索著文物出版社，1998，第10页)
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