中国画有什么特点？如何欣赏一幅中国画？
吴涛
中国画历史悠久，产生于特定的文化背景。但是，随着科技的不断发展，社会的不断进步，人们的生活节奏不断加快，生活之后的内容也更加丰富多彩。诗、书、画、印的鉴赏逐渐被人们所接受。然而，当面对生活中的一幅国画时，却有一声叹息:“画得真好。”众所周知，欣赏一部作品的内容，评价一部作品的好坏，需要对作品做深入细致的分析和理解，然后结合自己的修养，根据自己的理解做出最终的评价。本文对五世纪末批评家谢赫的“六法”作了简要的介绍和分析，可以给中国画爱好者以欣赏的方法和思路。
关键词中国画欣赏六法
螺纹理论
中国画是中国传统绘画的主要类型。它在古代没有确定的名称，一般称为丹青。自近代以来，它被称为中国画，以区别于油画和其他从西方引进的绘画。它植根于中华民族几千年的文化沃土，有着丰富灿烂的历史。它是各个时期经济和政治观念的反映。它经历了萌芽、发展、成熟、创新、再发展等多个不同阶段，形成了一种民族文化素养。但在现代教育模式下，课程安排并不强调中国古典哲学的教育，阻碍了中国画的欣赏。另外，我目前的知识结构还很欠缺，只能分析历代的“画论”和各个时期的“画评标准”，作为如何欣赏中国画的主要依据和基础理论。
第一章是中国画的现状和文化背景。
随着科技的不断发展，社会文明的不断进步，人们的生活节奏也在加快，生活之后的内容也更加丰富多彩。所以现在喜欢画画的人很多，但是真正懂画画的人很少。另外，在改革开放的今天，中西文化的碰撞愈演愈烈。究竟是绘画还是欣赏绘画，在理论上是混乱和误导的。生活中面对一幅国画，你能理解作品并以此为准绳吗？对于一般人来说，首先要看的是作品表现了什么。画家表达的这个形象的意境是什么？如果你能全部回答，你认为你能理解，否则，你不能理解。这种方法是传统的“讲故事”方法。但相对而言，工笔国画的作品因为具体真实，所以容易欣赏；至于写意画，笔墨奔放，意味深长，是笔所不及的，甚至泼墨画作品更是难以理解，因为其形象不具体，技法夸张抽象，一般很难从作品表面读懂画家的意思。当然，这种方法只能作为普通人的一种欣赏方式，因为画得好，理解得清楚，很容易引起人们更多的联想和共鸣。但我们必须明白，一幅国画的好坏，并不是简单地以其表面形象来衡量的。
回顾大学四年，我深深体会到，作为一名国画专业的学生，要欣赏一幅好的国画，首先要深入了解国画的历史文化背景、表现手法和语言观念。
中国画(简称“国画”)是一种具有中国特色的绘画，以墨为主要成分，色彩为辅助成分，水为调和剂，毛笔为主要工具，宣纸和织锦为载体。它植根于中华民族五千年肥沃的文化土壤，经历了萌芽、发展、成熟、创新、再发展等多个不同阶段，形成了民族文化素养、思维方式、审美意识等方面的融合。
从内容上，中国画可以分为花鸟画、山水画、人物画三大类，而从表现形式上，中国画又可以分为工笔和写意。工笔画讲究细致，十天画一个水，五天画一个石，多年画一幅。写意简单不拘，大笔一挥，笔瞬间收到。比如唐朝天宝年间，唐玄宗喜爱四川嘉陵江沿岸300余里的风景，要人们把它画在大同寺的墙上。李思训花了几个月的时间来画，但吴道子只用了一天就画完了。唐玄宗对他们的评价是:“李思训数月成就，吴道子一日五游，极妙”。今天看来，吴道子和李思训所作的壁画已经不存在了，但从绘画理论上，我们可以知道，吴道子擅长线条的浑厚流畅，他写得干脆利落，犹如暴风骤雨；李思训的风格以金碧辉煌、色彩厚重的风景画著称，画这些画需要很长时间。他们的绘画风格各有特色。
如上所述，无论是花鸟画、山水画还是人物画，写意还是工笔，只是它们的内容和表现形式不同而已。不同的画家有不同的表现风格。当我们面对各种题材相同但风格不同的作品，或者题材不同但风格相同的作品时，该如何欣赏呢？
第二章谢赫的绘画评价标准等。
欣赏一幅中国画，观者首先要遇到如何评价这幅画好坏的问题，这就需要一个标准。5世纪末，最早的绘画评价标准是谢赫的“气韵生动”、“笔随骨法”、“象形字随物”、“色随类”、“商位”、“转与造型”。
首先提出作品要“传神”，即人物画要有生动的艺术形象，表现对象的五官、性格特征和内心世界。其他文学批评家，如谢赫，认为艺术作品中活跃的生命力和整个宇宙中的生命力一样，是遍布空间的“气”，是生命的“气息”，是一种力量，渗透、滋养、激发着世间万物。在这里，谢赫特别提到了“气”:它显示了一个物体的客观“活力”、“气候”或“力量”。“气”，另一种说法，是作品中的发泄或可呼吸的元素。一幅好的国画，不会让人在画面中感到“无聊”和“讨厌”。这是因为图片恰到好处的透气点。虽然作者在画面中宣泄了自己的情绪，在一定程度上感染了观者，但因为作品中有透气点，所以再看画面也不会再“无聊”“乏味”了。“韵”是六朝文学批评中的另一个常用词，蕴含着艺术作品完成的和谐感和神韵，一部好的感人至深的作品，一定会给人以无限的回味和无尽的遐想，给观者以身临其境、持续不断的联想。当然也会因为欣赏者的修养和水平不同而有更多更丰富的了解。
谢赫等人用“生动的魅力”来说明一件作品完成后，在“精神”、和谐、生动、活力等方面，一定是充满活力的。如唐代《布吉图》中的燕就描绘了贞观十五年，唐太宗接见吐蕃使者鲁东赞迎接文成公主入藏的情景。图为唐太宗威严和谐，陆东赞干练恭敬，礼仪官庄严肃穆，宫女东张西望，气氛亲切和谐。再比如魏晋时期顾恺之的《洛神图》。画面中人物之间的感情不是靠面部表情流露出来的，而是对人物关系的巧妙处理。画中罗申深情如一，若还之，表达了一种做梦都想不到的惆怅之情。
其次，“用笔骨法”是指用笔的力量来描绘形象，注重用笔引起的变化，注重线条的形式和动态美。可以说线条之美会给作品带来锦上添花的效果，也可以说生动魅力的最终体现离不开用笔。比如吴道子《送子天王图》中的线条:数独国王的衣服线条画得苍劲挺拔，皇后的衣服线条则灵活流畅，既表现出衣服的不同质感，又衬托出男女的差异。地面前的鬼神更加奔放，有一种“毛根多肉壮”的感觉。夸张的造型展现了妖怪们的非凡力量，扑腾着地面，舞动着笔，自由翻滚。
在国画中，“骨本笔法”还融合了中国书法中的笔法法则和美学原理，体现线条的力度、质感和美感。通过不同的线条来体现笔墨的动态、潜力、节奏、韵律。比如魏晋时期，顾恺之的《一幅妇女史》中的一系列动人形象，就非常重视用线条造型。作品以连续、闲适、自然的线条形式表现出节奏感，线条的力度略加控制，犹如“春蚕吐丝”和“春云浮于空中，流水流于地上”，有疏密、长短的变化。
国画是用点来画的，容易散，琐碎；靠表面作画容易模糊，平面；用线条作画，容易捕捉到物体的形象和运动，最适合发挥毛笔、墨、宣纸、绢的特点；可以说，线是中国画家情有独钟的艺术语言，是中国画的灵魂，是作者抒发感情的宣泄和表现。所以，千百年来，中国的画家们一直在伏案写着粗细、直、刚、粗、快、假、顺、简等不同质感和感觉的线条。随着这些感伤的线条的逐渐变化、排列、交叉、分割、呼应，在画上形成许多形态各异、感情多变的造型，表达爱国情怀，表达悲欢离合，表达童心。
诚然，我们在欣赏国画作品的时候，也要注意，用来表现国画的线条要有生命力，它的抑扬顿挫、疏密快慢、虚实明暗干湿，都显示出艺术家的天赋和功底。国画大师黄先生把虚线概括为五个字:“平”、“圆”、“留”、“重”、“变”。“平的”，如圆锥画沙，笔尖与纸张保持水平，输送压力与浮力平衡；“圆”，如折簪，意为笔圆，有力，浑厚，不张扬，有弹性；“留”，如漏痕，笔在操作中感到阻力，在与纸张摩擦的阻力中难以前进；“重”，如高山落石，用笔要用力有力，这样才能通过纸的背面感觉到有力。特别是打“点”要像高山上落下的石头一样有分量；“变”，笔画形成各种对比，有变化，有区别。比如他的《山中坐雨》、《青山红树林》等作品，就体现了他山水画线条的特点。
无论是古代还是现代；无论是奔放还是抒情；无论高低，都强调笔法的力量与神韵的结合，有生命力的是活笔，缺乏生命力的是死笔；笔与意相连，形与气相连，迹与势相连，作品才能有力，才能有感情。所以我们在欣赏中国画的时候，要注意作者的笔法和神韵在作品中的结合，通过笔法来表现画面的形象。如南朝西山桥画像砖《竹林七贤》中，衣褶线条以刚为主，刚柔并济，类似顾恺之“春蚕吐丝”式的线描，生动地刻画了这些人的特点及其颓废空虚的精神面貌。
第三个“商位”是画家作画时对物体的排列和组织。比如“管理”这个词，内涵非常丰富，包含了思考、分析、研究、推敲等一系列思维活动。这里的“位置”不仅仅是画面上的影像放置的地方，更是整个画面的结构安排和格局安排，强调的是“疏赛马”和“密不透风”。也就是说，画家要完成一幅作品，绝不是随便一笔。正是通过苦心的思考和探索，精心的选择，巧妙的组织和安排，最终成功的作品才会问世。如北宋范宽的《西山行旅图》，以“三远”(即“高”、“深”、“平”)法为构图方法，主峰采用“高”(从山脚望向山顶，称为“高”)法，巍峨挺立，微微前倾，气势磅礴，有一种直扑你的气势。主峰两侧采用“深”法(从前向后称“深”)，既衬托了主峰的精神，又充分表现了山川的意境，同时体现了作者对自然的向往和全面的认识；前景是“平原”(近景到远景都叫“平原”)。前景有奇石怪树，石头的形状层出不穷。树木种类繁多，形态各异，让人对作者对大自然的观察、想象和表现力产生了无限的向往和惊叹。可以看出，中国画家在不断的探索和实践中非常重视构图的研究，并总结出了一系列的规律。如早在东晋时期，顾恺之就提出了“立旧布势”的构图原则，后来的画家们不断探索，建立了“主客”、“呼应”、“虚实”、“疏密”、“隐露”、“开合”、“取舍”等具有民族特色的中国画完整构图体系。这些规律符合辩证方法中的对立统一；只有符合对立统一规律的作品，才能持久，才能吸引人。反之，美的因素就会不同程度地大打折扣。所以，构图的源头是生活，是视野，是修养，是风格，把生活的每一个小场景，每一个片段，每一个场景，推到了比生活更高的层次。
另外，构图上有很大的自由度和灵活性，就像生活中一样，家具的摆放，风格的布局，绿色典雅，然后顺其自然。它不受时间和地点的限制，不求对象的现象，只求观念和形象化为“理”。
如前所述，国画作品的欣赏主要是以六法中的“神韵”、“骨法”、“章法”为依据的，是有逻辑有逻辑的。没有了气，你就失去了力量，没有了骨头，你就失去了趣味，没有了呼应，你就失去了团结，没有了主客，你就变得扁平松散，没有了密度，你就变得整齐划一，刻板呆板，你或显或藏，你就失去了含蓄的优雅，你或开或合，你就失去了飘逸。
因此，可以说“六法”是一个整体的绘画评价，它的出现表明中国的绘画理论已经上升到一个比较完整的体系阶段，是对魏晋六朝艺术家艺术实践的总结。五代郝静根据山水画的要求和创作实践，还提出绘画有六要，即“气”、“韵”、“思”、“景”、“笔”、“墨”。他说:“气，心随笔动，象不乱；韵，隐而正，有备而来。”这两点还是指内容和形式的统一。“想”是指剪裁和构思；“景”是指山水画要根据不同的季节和具体的环境进行描绘，要“求妙创真”，才能生动地刻画山水；“笔”和“墨”是中国画的重要技法。
宋代刘道纯在《宋代名画评点》中提出了“六要”“六长”。他说:“识画决定于明日六要，六长判官。”所谓六要，即“神与神兼备”、“旧体旧制”、“合理变异”、“彩画”、“师法自然”、“师短”；所谓“六劲”，就是“以粗卤求笔”、“以朴质求才”、“以含蓄求劲”、“以狂求理”、“以无墨求染”、“以平画求六劲”。其中“六长”基于中国画形式美中的对立统一规律，更有价值；“粗卤求笔”意为奔放的绘画，强调笔墨技法；“外求贤”，在创作中描绘一些不熟悉、不常见的题材时，也要讲求法度，切不可乱涂乱画；“精微求劲”是指在精匠的作品中，表现力更强，而不是细腻柔和；“狂奇”，如果作品中的造型狂野怪异，那应该是合理的；“求染不求墨”的意思和“数白为黑”是一样的，就是留白并不是真的“空”，而是表现出丰富的含义。
综上所述，我对平时学习和欣赏国画有一些粗浅的体会、理解和看法，让一些喜欢国画和欣赏国画的人基本了解它的特点和风格。毕竟中国画有几千年的历史文化背景，丰富独特的表现形式，观察理解，形象造型等等。在对客观事物的观察和认识中，采用以小见大的方法，在活动中观察和认识客观事物，甚至直接参与事物，而不是局部出场或局限于某一固定点，渗透到人的社会意识中，从而使绘画具有了“孤独千年， “取象”，起到“正邪显善”的作用，即使是山川、花鸟等纯粹自然的客观物象，也自觉地与人们观察、理解、表达的社会意识和审美趣味相联系，通过景物抒发情感，通过实物抒发心声，体现了中国人“天人合一”的观念。
第三章是中国画欣赏的思维方式。
中国画欣赏需要经历审美感知、审美领悟、审美创造三个重要阶段。这就要求我们直观地观察和理解审美对象，即作品本身的意境、色彩、线条和描写；在此基础上进行欣赏、理解和思考，把握作品的含义、意义和内涵，了解作品的艺术形式、艺术技巧、表现主题和时代背景。这样可以给观者更多的想象空间，如何表达作品的内容和采用的艺术手段。同时，我们可以从作品的画面、意境、意境中猜测作者的内心是热情的赞美还是苦涩的讽刺，是深刻的表达还是大胆的表达，然后结合作者的创作特点和时代背景进行分析，通过他多年积累的审美经验、文化知识和生活经验，唤醒丰富的联想。以宋代王希孟的《千里江山图》(长卷)为例:王希孟生平画史失传。据蔡在卷轴的最后说，他原来是画院的学生，后来进了故宫图书馆。惠宗亲自指导他作画，十八岁就画成这幅长卷，现在仅存《千里江山图》长卷；本卷采用长卷构图法，版式按“六至四”将天空和景物分为两部分，使景物空阔深远，更能表现山川的壮美；画中的群山错落有致，河流环绕，有亭台楼阁，茅草屋，繁忙的船只和捕鱼，装饰着精美的树木和瀑布等。，表现了作者对理想化的社会和多姿多彩的自然的向往，充满感情，也不乏对人们改造自然的肯定和对生活在祖国秀美山川中的自豪。大蓝绿色，丰富细腻，代表画院青绿融合的精密细致，严守画风；笔法以速写为主，树干以无骨法绘制，山坡相触，丰富了青山绿水的表现力；人物衣褶虽小如豆，但造型、服饰各异，动感活泼，反映了宋代山水画继北宋初景、关画风后高度成熟，中期只有李成、范宽为例，以至于成熟的局面。后期在“复古”思潮的影响下，倡导以古为新的思想，综合唐宋，创造了集李思训、李昭道、水墨山水成就于一体的独特画风。这种思想影响了后世，如董其昌的《复古》为表，其中就包含了创新的思想。
结束语
欣赏国画的过程不仅需要对作品本身进行仔细的分析和研究，还需要对国画的文化背景和作者的创造力进行了解，这就需要一定的相关知识来更好地把握国画作品的优劣。尤其是在现代文化背景下，很多学中国画的人都在喊“崇尚传统”，搞“创新”。如果他们不太了解传统，甚至对传统的东西一无所知，怎么创新？这就需要我们借鉴传统，大胆创新，才能开阔视野，更好地欣赏中国画。
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